Desde el ojo de la cámara

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Para entender qué es lo que distingue al punto de vista de cámara (a partir de ahora PVC) como forma de hacer cine, hay que explicar primero qué es la diégesis. Los elementos de un film pueden ser diegéticos o extradiegéticos. Esto es cuando algo forma parte de la realidad de la historia, o es un aspecto que solo es experimentado por la audiencia. Uno de los casos más conocidos es la música, cuando proviene de una radio o una orquesta que está tocando en la escena, los personajes la experimentan y se considera diegética; al contrario, cuando la música es parte de la banda sonora y existe solo para nuestros oídos, es extradiegética.
En cuanto a la imagen, todo lo que vemos en las películas es una grabación a través del ojo de la máquina, pero rara vez reconocemos el lente como tal. En el modelo fílmico tradicional la cámara debe ser invisible. Es por eso que la técnica conocida como “shaky cam” -o cámara temblorosa-, muy popular en los últimos años para hacer que las escenas de acción parezcan más emocionantes, tiende a molestar a muchos espectadores. Esto se debe a que hace la cámara visible, cuando no debería serlo. Y ese es el elemento que separa al cine tradicional del PVC, donde la presencia de la cámara es siempre diegética, intencional y absoluta.

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Peeping Tom, el primer asesino detrás de una cámara.

Precedentes y primeros experimentos de cámara omnipresente

En los albores del cine, la cámara era estática y cumplía la función de los ojos del espectador ideal, sentado frente a una representación teatral, en un asiento central y a cierta distancia del escenario. Con el desarrollo del montaje y lo que se llamó Modelo de Representación Institucional (MRI) la cámara desaparece de la percepción para pasar a ser relegada a los documentales, las vanguardias y algunos raros experimentos narrativos. Tal es el caso, por ejemplo, de Chelovek s kino-apparatom (1929) o El Hombre de la Cámara  de Dziga Vértov, donde la crónica del proceso fílmico en sí es el protagonista; o de Lady in the Lake (1947) de Robert Montgomery, donde si bien la cámara no es diegética, representa el punto de vista de un personaje a lo largo de toda la historia.

Desde el ojo de la cámara - Blog de NyarlotepPero no es hasta Peeping Tom (1960) de Michael Powell, donde el PVC comienza a tomar la forma que vemos en el cine de terror y horror actuales. Si bien el marco de la narrativa es tradicional, la historia corta varias veces a la visión de la cámara del protagonista, un perverso asesino, que mata mujeres y registra sus homicidios en fílmico. Muchos fanáticos del cine de género aseguran que Cannibal Holocaust (1980) de Ruggero Deodato, es el primer PVC, pero esta película no se aleja demasiado de lo que hizo Peeping Tom. La historia narra la desaparición de un grupo de documentalistas en el Amazonas, y muestra en escenas de una crudeza y realismo inusitado en la época, como los jóvenes son asesinados y devorados por caníbales. Pero la historia se mantiene dentro de un marco narrativo tradicional donde el descubrimiento de los rollos de fílmico forman parte de la investigación de quienes buscan saber qué ocurrió con los documentalistas. Las escenas son más crudas y extensas, si, pero no hay una verdadera innovación en cuanto al modelo narrativo que había comenzado a plantearse en Peeping Tom 20 años antes.

El nacimiento de un nuevo lenguaje cinematográfico

Un lenguaje cinematográfico se define por las reglas que generan el verosímil de la narrativa, desde la construcción de los planos, hasta el montaje, con cada elemento que conforma el producto final. El MRI es un lenguaje -podría decirse que el primero-, a partir del cual se generó desde los años 20’s todo un abanico de vanguardias que buscaban otra forma de narrar historias, con sus propias reglas. Así nacieron el expresionismo alemán y el surrealismo, tomando elementos de lo pictórico; el neorrealismo italiano, como un movimiento de reacción luego de la segunda guerra; y mucho más cercano en el tiempo, el Dogma 95, por nombrar solo algunos. Cada uno de estos lenguajes tiene reglas claras que deben seguirse desde cada aspecto narrativo. Esto aunque no se menciona a menudo en los círculos catedráticos fílmicos, también sucede con el PVC. El hecho de tener que imitar la realidad desde un aspecto cuasi documental, restringe las posibilidades narrativas, y obliga a los cineastas a desarrollar toda una serie de soluciones originales para contar una historia. A través de estas limitaciones es donde aparecen las reglas de esta nueva forma de hacer cine. E incluso dentro de este lenguaje encontramos diferentes variables.

1. El mockumental

Desde el ojo de la cámara - Blog de NyarlotepLos primeros ejemplos de un verdadero PVC provienen del mockumental o mockumentary. El falso documental es el punto natural del nacimiento de este lenguaje, ya que es la mezcla perfecta entre ficción y realidad. Así utiliza normas y lugares comunes que el público reconoce del documental pero los aplica a una farsa. Dos de los ejemplos tempranos más relevantes vienen de la mano del humor. Se trata de Zelig (1983) de Woody Allen y This is Spinal Tap (1984). La mímica del documental ha sido tan bien lograda que aún hoy en día hay personas que piensan que Spinal Tap es una verdadera banda. El mockumental sigue en la actualidad ligado en gran parte al humor, en la mayoría de las producciones de este estilo, como en Incident at Loch Ness (2004) de Zak Penn, What we do in the Shadows (2014) de Jermaine Clement y Taika Waititi y The Visit (2015) de M. Night Shyamalan. Aunque también pueden encontrarse ejemplos donde se sumerge de lleno en otros géneros dejando de lado la comedia como sucede en Lake Mungo (2008) de Joel Anderson y The Bay (2012) de Barry Levinson.
Como imitación del formato documental, la narrativa suele estar conformada por entrevistas con expertos y protagonistas de los hechos, reconstrucciones de los eventos y material adicional que puede ser de origen periodístico o found footage, como es el caso de The Poughkeepsie Tapes (2007) de John Erick Dowdle.

2. La falsa trasmisión

Desde el ojo de la cámara - Blog de NyarlotepDesde la literatura, hace más de cien años, se ha intentado imitar la transmisión de noticias. Drácula, por nombrar uno de los ejemplos más famosos, fue narrada como una serie de diarios personales, cartas entre los protagonistas y recortes periodísticos. Fuera del medio impreso, Orson Welles hizo historia cuando el 30 de octubre de 1938 realizó una transmisión radial de La Guerra de los Mundos de H.G. Wells. Su adaptación al medio fue hecha como un boletín de noticias que creó caos entre su audiencia. Esta no sería la última vez que algo así ocurriría. Más de 50 años después la cadena televisiva británica BBC realizó una transmisión televisiva de similares características con Ghostwatch (1992) de Lesley Manning. La historia fue presentada como la transmisión de un programa informativo con un conductor, panelistas, notas pregrabadas y un móvil en vivo, todo centrado en los eventos que ocurren en una casa embrujada. Para generar un mayor efecto de realidad aumentada en el filme, varios de los miembros del programa eran periodistas y conductores reales, fácilmente reconocidos por la audiencia. El pánico que causó en el público fue tal que se considera la única película para televisión que ha causado estrés post traumático en los espectadores, e incluso hubo un caso de suicidio relacionado al film. Por estos motivos fue catalogada como una película maldita por años.
Pero Ghostwatch no es el único caso de falsa transmisión en televisión. En Special Bulletin (1983), vemos por primera vez todos los elementos de esta variable del PVC, aunque el formato aún no estaba bien cocinado y la transmisión se divide en varios días de emisión, rompiendo la ilusión de tiempo real. La historia sigue a un equipo de noticias que narra la toma de rehenes de un barco por parte de un grupo de científicos, que amenazan con detonar un dispositivo nuclear si el gobierno de los Estados Unidos no acepta el desarme nuclear. Más tarde tenemos otro excelente ejemplo con Without Warning (1994) Y un cuarto caso más reciente es el de WNUF Halloween Special (2013) aunque es el ejemplo menos logrado de falsa transmisión.
El mayor problema de la falsa transmisión es que, debido a su naturaleza, difícilmente consiga alcanzar el público de la gran pantalla, a no ser que sacrifique el elemento más importante en su efecto de verosimilitud hiperrealista, el tiempo real.

3. Found footage

Es el más conocido de los variables de PVC, y en nombre bajo el cual se suele agrupar a todas las variables de estas películas, por más que las mismas no tengan relación con imágenes de video recuperadas, que es a lo que hace referencia el found footage. Estas son películas narradas sin demasiada edición, suelen ser lineales y es donde prima la naturalidad. El menor de los elementos que denote una ficcionalidad de la historia, ya sean actuaciones exageradas, efectos especiales obvios o montaje donde no debería haberlo, arruinan la verosimilitud que se intenta generar. Por su carácter casi casero, son las películas más difundidas del PVC -puede hacerlas cualquiera con muy bajo presupuesto-, pero al mismo tiempo suelen ser las que tienen mayores desaciertos; porque de nuevo… puede hacerlas cualquiera.
Desde el ojo de la cámara - Blog de NyarlotepUno de los primeros casos de found footage completo (fuera de los híbridos de Cannibal Holocaust y Peeping Tom), fue U.F.O. Abduction (1989) de Dean Alioto, que narra la historia de la familia Van Heese al ser abducidos por alienígenas. El efecto era tan desconocido en la época y tan realista, que el video fue difundido en convenciones de extraterrestres como la prueba definitiva de que los E.T. existían y secuestraban personas. Más tarde Alioto fue contactado para hacer una remake de su film en Alien Abduction: Incident in Lake County (1998) con un mayor presupuesto y mejores actuaciones, además del agregado de entrevistas con profesionales que discutían la realidad de la cinta.

Desde el ojo de la cámara - Blog de NyarlotepEl más famoso de estos filmes fue The Blair Witch Project (1999) de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, que sumaron al efecto del film una campaña publicitaria viral muy ingeniosa, para convencer al público de la realidad de los hechos narrados en la cinta. Con un presupuesto de 60 mil dólares recaudó más de 140 millones a nivel mundial. Pero la película que desató una verdadera lluvia de imitadores fue Paranormal Activity (2007) de Oren Peli. En este caso la publicidad también fue clave en su éxito, pero en lugar de buscar engañar a la audiencia, se enfocó en demostrar lo terrorífica que era la experiencia de ver el filme en cine, utilizando en su trailer imágenes de la audiencia con los ojos tapados por el miedo y dando saltos en sus butacas.
Desde el ojo de la cámara - Blog de NyarlotepA pesar de lo que se cree, no es sencillo hacer un found footage. Hay varios ejemplos de intentos fallidos dentro de este lenguaje específico, siendo el más conocido Diary of the Dead (2007) de George A. Romero. Donde el famoso padre de los zombies demuestra que no sabe cómo filmar este tipo de historias, ya que desde el inicio comienza a incorporar excusas en la narrativa. En uno de los voice over iniciales (El hecho de que incluya narraciones ya es una alerta roja), la protagonista informa al espectador que el “found footage” fue editado para agregar música que de miedo, porque al transmitir sus vivencias con los zombies, el equipo también busca asustar al espectador (?). Esta es la voz de Romero diciendo al espectador “No se como contar esta película como debería”.

Aún no está todo filmado

Desde el ojo de la cámara - Blog de nyarlotepPero estos géneros así como en su inicio con Peeping Tom y Cannibal Holocaust, no tienen porque estar cerrados en sí mismos. Aún hoy en día pueden encontrarse productos híbridos que vale la pena considerar por su calidad y originalidad narrativa. Uno de los mejores ejemplos de los últimos 10 años es Behind the Mask: The Rise of Leslie Vernon (2006) de Scott Glosserman, que salta constantemente entre la narrativa mockumental y el MRI clásico.
Cualquiera sea el caso, el PVC debe ser entendido como más que una excusa para realizar películas de bajo presupuesto. Es todo un lenguaje cinematográfico de gran valor, cuando es utilizado correctamente, que aún puede aportar más de una sorpresa en el gran público.

3 Comentarios Agrega el tuyo

  1. Nyar dice:

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    1. Tomás Cohen dice:

      Cual es el código?

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